El significado de Tàpies

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Antoni Tàpies estuvo marcado desde sus inicios por una larga enfermedad pulmonar, la cual le tuvo convaleciente durante dos años. En este periodo apenas se levantaba de la cama para ir al baño y dedicó su tiempo a refugiarse en la música de Wagner, en los escritos de Nietzsche y sobre todo, en libros dedicados a la filosofía oriental. Gracias a las obras sobre esta temática que poseía su padre, se interesó cada vez más por el budismo y el taoísmo, dos doctrinas que le influirían enormemente en su vida.

Descifrando su simbología

Es sumamente complicado llegar a entender y profundizar en el significado de sus creaciones, en las cuales numerososantoni-tapies símbolos hacen referencia a diferentes aspectos de nuestra existencia. Letras como la M (la muerte que aparece perfilada en cada una de nuestras manos), la X (bien referida al misticismo, a lo oculto, así como a una referencia determinada, o bien referida a la cruz de aspas como símbolo de fertilidad o de la existencia. Además, cuando la cruz es atravesada por una Y puede referirse a diferentes caminos o bifurcaciones), la A y la T (estos caracteres entendidos bien como las iniciales de su nombre o bien a él y su mujer Teresa. También puede hacer referencia a la cruz y al dolor y muerte). Además de los caracteres, Tàpies nos obsequia con figuras como triángulos alquímicos (cuerpo, alma y espíritu del hombre), círculos (azar y fortuna), cuadrángulos (sabiduría) y triagamas o diagramas taoístas (yin y yang, las dos caras de la moneda). Todo tipo de referencias que dan lugar a multitud de interpretaciones. Símbolos que lejos de tener un único significado, buscan el efecto en el espectador, el cual no alcanza a descifrar cuanto desea con un único repaso a las pinturas matéricas del genio. Pero como bien decía él, el Arte no hay que entenderlo, sino sentirlo.

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Tàpies pintando en su taller

El interior de Tàpies

Entrevista a Tàpies

Tàpies, el meu nexe artístic

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El interior de Antoni Tàpies

Nombre de la exposición: Tàpies. Desde el interior 

Lugar: Fundació Antoni Tàpies y MNAC (Museu Nacional d´Art de Catalunya)

Fecha: Del 21 de junio al 3 de noviembre de 2013

Descripción: El próximo 21 de junio comienza en Barcelona la exposición ‘Tàpies. Desde el interior’, la cual intentará reflejar a lo largo de casi 150 obras la compleja y enigmática pintura del artista catalán.

La exposición, organizada de forma conjunta por el Museo Nacional d´Art de Catalunya y por la Fundació Antoni Tàpies-desde-el-interiorTàpies, trata de explicar el vocabulario de Antoni Tàpies a partir de una selección de obras que abarca desde 1945 hasta 2011. Una recopilación compuesta por sus pinturas matéricas y objetos realizados con materiales pobres, perteneciendo muchas de estas obras a la colección particular del artista, dejando de ser inéditas para el público en general una vez sean expuestas en las sedes de las dos instituciones organizadoras.

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Tàpies pintando en su taller

El significado de Tàpies

Entrevista a Tàpies

Tàpies, el meu nexe artístic

Frida Kahlo

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En abril de 2012 publiqué una entrada en la cual hablaba de forma genérica de la tormentosa relación entre la Mujer y el Arte, tomando la figura de Berthe Morisot como ejemplo. La idea era hacer una trilogía basada en la vida y obra de personajes femeninos que reflejase a la perfección los terribles impedimentos con los que se ha topado la Mujer en toda disciplina artística. La pintora impresionista fue el punto de partida, teniendo continuación en fechas posteriores con el episodio dedicado a la escultora Camille Claudel y su infausto idilio con Auguste Rodin. Tras estos dos grandes talentos, es el turno de la enigmática Frida Kahlo, el vértice superior de esta terna que nos sirve como colofón para esta problemática serie. Espero que la interminable demora haya merecido la pena.

Frida-Kahlo-AutorretratoNacida en 1907 en plena época de lucha por el cambio en su país, fue una artista a la que las desgracias le persiguieron durante toda su vida. A los 6 años sufrió la polio, una temible enfermedad que le dejó secuelas físicas a las que debió hacer frente. Este prematuro golpe forjaría una gran personalidad en Frida, algo que le serviría para afrontar las desavenencias que le esperaban. Los años pasaron y se percató en plena adolescencia de lo confortable que era para ella el contacto masculino. No tenía ningún interés en lo que las niñas de su edad hacían. Esto tiene su explicación: su padre siempre trató a la pintora como si fuese un hijo. Su vida era placentera, exenta de problemas, algo propio (o quizás no) para alguien de su edad. Sin embargo, esa placidez adquiriría oscuridad en 1925. Ella tenía 18 años y un atroz accidente de tráfico le destrozó la columna vertebral, llegando incluso a saludar tímidamente a la Parca. Estuvo convaleciente durante un largo periodo de tiempo y debía reposar en cama permanentemente, por lo que era conveniente pasar las horas de algún modo. Optó por usar las acuarelas de su padre, el cual le enseñó a pintar (era fotógrafo y aficionado a la pintura) a través de básicas nociones, sin pretender que Frida Kahlo siguiera sus pasos. Rápidamente, lo que empezó como un mero pasatiempo se convirtió en pura obsesión. Gracias a un caballete adaptado a sus dificultades que le regaló su familia, comenzó a reflejar su desgastado mundo interior, mostrando la tragedia psicológica en la que está inmersa mediante retratos sumidos en la tenebrosidad.

Con el paso de los años, su paleta evoluciona y adquiere mayor presencia y técnica al conocer al muralista Diego Rivera, el cual mostró una tremenda admiración hacia Frida al ver sus obras. A raíz del interés por su pintura comienza una estrambótica relación, contrayendo ambos matrimonio en 1929. Rivera le hizo ver a su mujer la importancia de no imitar a ningún otro pintor, apostando así por un estilo muy propio cargado de emoción, fuera de toda influencia exterior debido a su particular existencia. Era un vínculo bastante enérgico, pero empezaría a perder fuerza a partir del aborto que sufrió la artista en 1932. Este hecho le hirió profundamente al darse cuenta de su incapacidad y la tortura que había sufrido su cuerpo.

frida-kahlo-mi-nacimiento-1932Por si fuera poco, esta convulsa unión se vio salpicada por constantes episodios de infidelidades por ambas partes y culminaría con el divorcio en 1939. Sin embargo, volverían a contraer matrimonio años más tarde, quizás por el empeoramiento de la salud de Frida Kahlo, algo que hizo entender a Diego Rivera que necesitaba compañía hasta el momento de marchar, siendo el 13 de julio de 1954 el día elegido para pagar el tributo a Caronte. Y es que a pesar de haber tenido una tormentosa relación, la pintura de estos artistas alcanzaron cotas insospechadas gracias al apoyo mutuo que se sirvieron, siendo Diego el mayor admirador de Frida, mientras que la pintora era la mayor crítica del muralista.

Una vez relatada su compleja historia, es momento de analizar su obra, la cual se nutre de las necesidades psicológicas causadas por las continuas adversidades que sufrió. Son éstas las que le empujaron a crear su propio estilo, lejos de cualquier corriente existente, adquiriendo una personalidad artística sin parangón. Un nuevo universo artístico creado a partir de una pincelada llena de sinceridad, su propia verdad, sin pretender demostrar algo que pueda llamar la atención. Sin alardes, pinta con el único objetivo de plasmar sus sentimientos y emociones, sin ningún tipo de directriz ni ningún referente en el que sostenerse, ya que es una pintora alejada por completo del canon pictórico europeo, sin conocimiento alguno sobre las pautas clásicas y carente de formación teórica. Todo lo que refleja es la pura realidad y no fruto de sus sueños como tantas veces se ha mencionado. Éste es el ejemplo más fehaciente de los continuos errores que se han cometido sobre Frida Kahlo: su constante relación con el movimiento surrealista, cuando lo único que le unía a esta corriente artística era su amistad con André Breton. Sin embargo, ella no refleja en sus lienzos lo onírico, sino que retrata un nuevo mundo en el que son detallados los episodios de su propia vida y donde sus costumbres y cultura adquieren gran notoriedad.

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El análisis de la obra que pintó en 1937 titulada como Recuerdo (El corazón), sirve para ejemplificar que nunca ha perseguido los ideales surrealistas, aunque a simple vista pueda parecer todo lo contrario. En la imagen que acompañan estas líneas, se puede observar dos mitades bien diferenciadas: mar y tierra, siendo referidas su realidad y su recuerdo o pasado, respectivamente. Tales épocas se distinguen por los trajes situados a ambos lados de la artista, la cual se autorretrata siendo atravesada por una vara a la altura del corazón, haciendo alusión a la infidelidad de su marido con su hermana Cristina. Su corazón, de enormes dimensiones, yace en la tierra, en su pasado, mientras el hueco que ha dejado dista mucho del tamaño de éste, significando que el dolor causado no es tanto como parece. Frida aparece en el mismo plano que el traje mexicano, por lo que hace referencia a la importancia de la cultura en su vida y pintura. Un detalle muy patente es que su pie izquierdo se transforma en velero, empujando a la artista a navegar hacia este nuevo mundo. Sin embargo, ella realmente no porta traje alguno, está como distante, siendo representada sin manos, quizás describiendo la impotencia y, a la misma vez, la falta de interés por caminar hacia un lado u otro. Como vemos, son muchísimos los mensajes que se extraen de sus lienzos y todos ellos fruto de su propia visión, desmontado la teoría surrealista.

frida-kahlo-venado-herido-1946Sus lienzos denotan un profundo simbolismo que ha ocasionado a lo largo de la historia una constante problemática a la hora de entender a la artista. Metáforas que unen episodios vividos por ella y que intenta transmitir al espectador por medio de sus pinturas. Éstas no se caracterizan por su gran técnica o calidad, sino que destacan por la pureza del mensaje. Una sinceridad que se mueve constantemente entre la delicadeza y la atrocidad. Ternura y crueldad estrechan lazos para contar historias que residen en la enigmática mente de la autora y que se alojan en unos cuadros que sirven como puente para conectar con el espectador. La temática que plasma es muy limitada, soliendo girar en torno a ella, aunque paulatinamente la vista se aleja y realiza obras de conjunto, dejando a un lado la gran cantidad de bustos (en su gran mayoría autorretratos) que solía pintar. A la artista le inundaba un profundo deseo de retratar todo aquello que anteriormente no había sido llevado al lienzo y utiliza sus propias vivencias como medio para llegar al público. Como forma de establecer un nexo entre sus obras y el espectador,  podemos observar como la figura no nos mira de frente, sino que arquea la cabeza en claro síntoma de deseo comunicativo (como intentando escuchar). Unos rostros que muestran una mirada reservada, hermética e inaccesible, denotando una clarividente ausencia, que, además de reflejar los estados de ánimo que le acompañaron durante su amarga existencia, parece estar a expensas de escuchar al que está al otro lado, incidiendo en esa conexión mencionada que ayude a sentirnos identificados plenamente con sus obras. En un periodo en el que la mujer carece de protagonismo en el ámbito artístico, Frida Kahlo es una placentera brisa que impulsa a la mujer como parte del mismo.

La energía de Henri Matisse

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Fiel reflejo de la creatividad e ingenuidad, amante de la expresividad y de la energía, el pintor francés Henri Matisse (Le Cateau Cambrésis, 1869 – Niza, 1954) irrumpió en el ambiente artístico a finales del siglo XIX causando una ruptura que no se había dado desde la aparición del Impresionismo, siendo encumbrado a la altura de artistas como Picasso (con quien llegó a rivalizar) gracias a su innovación. Un legado de obras por el que está considerado como el precursor y mayor exponente del Fauvismo, término acuñado en 1905 por Louis Vauxcelles, haciendo referencia al rechazo que presentaban los artistas de este estilo con respecto al arte académico, considerándolos como unos auténticos salvajes (fauve en francés se traduce como fiera). Sigue leyendo

Entrevista a Tàpies

En febrero de 2012 la luz de Antoni Tàpies se apagó, pero él sigue presente, teniendo un lugar especial en este blog al ser mi nexo artístico. Os dejo con una entrevista en la que habla y despieza los enigmas del Arte.

En próximas fechas publicaré unas imágenes en las que el artista nos muestra la forma en que sus lienzos van cobrando vida, adquiriendo sentido su controvertido lenguaje abstracto y su heterogénea pintura.

La lírica de Wassily Kandinsky

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En esta nueva entrega de afamados artistas en plena acción, os brindo la oportunidad de conocer la forma de dibujar del artista de origen ruso Wassily Kandinsky (Moscú, 1866 – Neuilly-sur-Seine, 1944), un pintor que está considerado como el precursor de la abstracción.

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Jackson Pollock en acción

Al cuestionar a determinadas personas sobre sus artistas preferidos, posiblemente se repitan en muchas ocasiones nombres como Velázquez, Miguel Ángel, Van Gogh, Monet o Klimt. Enormes talentos cuya grandeza es indiscutible, a pesar de que ninguno de nosotros los haya visto en acción. ¿Cómo creaban sus magníficas obras estos artistas? Lamentablemente, por razones obvias, no podremos nunca saber cómo se desenvolvían en su taller los pintores mencionados. Sin embargo, sí que podemos ver en plena tarea a aquellos que, habiendo desarrollado su carrera a lo largo del siglo XX, se prestaron a ser filmados para la elaboración de determinados reportajes sobre sus vidas.

Por esto, inauguro esta nueva sección, en la cual se mostrará, mediante pequeñas secuencias de imágenes en movimiento, la destreza de algunos genios, dejando a un lado la prosa para que únicamente observen su forma de crear.

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Retrospectiva sobre Luis Gordillo en Madrid

luis-gordilloNombre de la exposición: Luis Gordillo. Premio Nacional de Arte Gráfico

Lugar: Calcografía Nacional (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando).

Fecha: Del 21 de diciembre de 2012 al 24 de febrero de 2013.

Descripción: Desde el pasado 21 de diciembre, el pintor sevillano Luis Gordillo es homenajeado en Madrid con una retrospectiva que abarca la producción gráfica del autor desde los años 70 hasta hoy. El artista fue galardonado el pasado mes de febrero con el Premio Nacional de Arte Gráfico y la Calcografía Nacional pretende demostrar con una selección escogida por el propio pintor el merecimiento de tal condecoración. La exposición nos sumerge en la admiración que el artista demuestra hacia el papel y los procesos gráficos, pudiendo ser contempladas series de las más importantes de la prolífica carrera del artista, tales como Celulario, Grupo 15 o Archipiélago. Gordillo refleja en esta muestra que su estilo ha estado siempre en constante evolución, habiendo establecido lazos con movimientos tan diferentes como el Informalismo o el Pop Art, proclamando que la aparición y puesta en práctica de nuevas técnicas siempre será beneficioso para el mundo artístico, sin convertirse en un obstáculo para los métodos tradicionales.

Más información: Entrevista a Luis Gordillo realizada por hoyesarte.com

Fernando Botero en Bilbao

fernando-boteroNombre de la exposición: Fernando Botero. Celebración

Lugar: Museo de Bellas Artes de Bilbao

Fecha: Del 8 de octubre de 2012 al 10 de febrero de 2013

Descripción: El Museo de Bellas Artes de Bilbao ha prorrogado la clausura de la exposición dedicada a Fernando Botero. Prevista su finalización para el día 20 de enero, la gran afluencia de público ha obligado a los responsables a mantener la muestra hasta el próximo 10 de febrero. En la misma, podremos observar un total de 80 obras que forman la mayor antología hecha hasta la fecha sobre el controvertido pintor colombiano. Un compendio de imágenes donde nos muestra su gusto por las figuras de dimensiones exageradas y deliberadamente desproporcionadas, cuyos vivos colores contrastan con la vida cotidiana de su país natal, temática que el artista suele plasmar en sus lienzos.